Il nuovo Padiglione Corea è il più recente ed appartiene alla Repubbica della Corea del Sud. Inizialmente costruito negli anni Sessanta (Salts, 29) il nuovo edificio è stato realizzato nel 1995 su progetto di Seok Chul Kim e Franco Mancuso. Progettato da Seok Chul Kim e Franco Mancuso nel 1995. Esso rappresenta uno dei padiglione più recenti ed è il secondo padiglione asiatico dei Giardini dopo quello del Giappone. Copre un'area di circa 240 metri quadri all'interno di uno stesso spazio. L'area non è molto spaziosa, e per questo si presta prevalentemente a mostre personali.
Premi e riconoscimenti
Tra i premi ricevuti alla Biennale ricordiamo: Jheon Soocheon’s Premio Menzione d’Onore e alla mostra del 1995, Premio Speciale a Ik-joong Kang’s Special alla 47^ mostra nel 1997. Con la Menzione speciale a Lee Bul alla 48^ mostra del 1999 gli artisti coreani hanno stabilito un record per aver conseguito tre vittorie consecutive.
55^ Edizione Arte 2013
Artista: KimsoojaCuratore: Kim Seung-duk Note sui protagonisti di questa edizioneL'artista sudcoreana, che ha realizzato un progetto al PS1 di New York, nei suoi lavori usa spesso la parola coreana "bottari" (che significa mucchio di vestiti). Titolo del progetto per ques'edizione è "To Breathe: Bottari". Il concetto di "bottari" si riferisce a una forma installativa che vuole trasformare lo spazio del Padiglione, non in senso fisico attraverso materiali quali legno, vetro o metallo, quanto piuttosto mediante elementi immateriali come il suono, la luce e i colori. Kimsooja Intende portare la natura all'interno per poterla guardare da una prospettiva capovolta. Con le sue installazioni Kimsooja vuole anche evocare i disastri cuasati dalla natura, sulla scia della sua esperienza vissuta durante il tornado Sandy di New York , quando restò per una settimana senza gas, acqua calda, elettricità. Kim Seung-duk è Direttore di progetti internazionali al Consortium, centro di arti contemporanee di Digione. (http://galleristny.com/2013/02/south-korea-selects-kimsooja-for-venice-biennale) Torna su
Esposizione Edizioni Arte passate
2013 — tba (Curator: Kim Seung-duk)
2011 — Lee Yong-baek (Commissioner: Yun Chea-gab)
2009 — Haegue Yang (Commissioner: Eungie Joo)
2007 — Hyungkoo Lee (Commissioner: Soyeon Ahn)
2003 — Whang In Kie, Bahc Yiso, Chung Seoyoung (Commissioner: Kim Hong-Hee)
2001 — Michael Joo, Do-Ho Suh (Commissioner: Kyung-mee Park)
1999 — Lee Bul, Noh Sang-Kyoon (Curator: Misook Song)
1997 — Hyungwoo Lee, Ik-joong Kang (Curator: Oh Kwang Soo)
1995 — Yoon Hyong Keun, Kwak Hoon, Kim In Kyum, Jheon Soocheon (Commissioner: Il Lee)
Alcuni protagonisti delle edizione passate
2007
Hyungkoo Lee, addestrato come scultore a Hong-ik University (Seoul, BFA) e l'Università di Yale (New Haven, MFA), è stato profondamente assorto in materia di corpo umano, fino al punto di tentare di fare una composizione corpo fuori ossa di pollo nei suoi primi giorni. Al di là di rappresentazione in invenzione, egli esplora i conflitti in corso tra i domini tra loro incompatibili - come realtà e ipotesi, la sostanza e l'immagine, la storia e la finzione, la scienza e l'immaginazione - nella cosiddetta era post-moderna. Mentre il suo approccio è analitico e logico, egli sostiene anche se stesso come un artigiano-scultore basata sulla fede nel valore del lavoro manuale.Presentando un tale opere geniali come The Objectuals e serie Animatus dal 2002, Hyungkoo Lee ha attirato l'attenzione di tutto dalla scena artistica locale e internazionale. Le Objectuals, le sue prime opere che trasformano drasticamente sia una parte o tutto il corpo attraverso dispositivi ottici, letterari oggettiva il mondo non-oggettivo - compresi gli esseri umani. Anche se il laboratorio impersonale freddo e le sue invenzioni quasi sperimentali cercando come strumenti di tortura suggeriscono oggettualità cinica e crudele, questa serie di perseguire spirito umano e umorismo attraverso indagini frenologica sul corpo umano. Hyungkoo Lee propone una soluzione provvisoria ai problemi post-umani, che comprendono la salute e la bellezza, la forza e la violenza, la sessualità e la razza, la tecnologia e la simulazione, con la propria interpretazione tagliente e originale.Il corpo umano esagerata in Le Objectuals avanza personaggi dei cartoni animati, i corpi deformi e personificato che esprimono ogni personalità e la sua superpotenza e l'immortalità. Hyungkoo Lee ricostruisce personaggi dei cartoni animati immaginari in scheletri tridimensionali in un approccio pseudo-archeologico, per rendere finzione nella storia. La serie Animatus portato, attribuito alla tradizione della Pop Art, può essere visto come l'epitome di simulazione nel fornire plausibili riferimento fisico e nomi zoologici di personaggi di fantasia. Il lavoro di Hyungkoo Lee è considerato come il risultato di spettacoli dal proprio corpo è il punto di partenza del suo lavoro. In questo senso, la messa in scena di laboratorio è una sorta di studio mobile per il suo lavoro. Come il suo laboratorio e la performance nella mostra rivela le basi del suo lavoro e al tempo stesso illusioni ombreggiatura sul confine tra arte e pseudo-scienza, egli evoca l'autenticità ironica in una modalità quasi-pseudo.
2009Nella mostra "Condensa", Haegue Yang esplora spazi privati o nascosti che potrebbero essere considerate nebensãchlich (marginale o insignificante), ma per l'artista costituiscono profondi fondali per capire: i siti vulnerabili in cui può verificarsi sviluppo informale. Usando la metafora della condensa, Yang cerca la comunicazione diretta con le persone sconosciute attraverso un percorso apparentemente intangibile di scambio, uno che impartisce nonfunctional informazioni ancora ontologicamente significativo. Come spiega l'artista: "Immagino metaforicamente che io conservo aria fresca in me, come a lungo possibile, fino a quando la differenza di temperatura è così grande che le gocce di raccogliere sulla bottiglia. Vorrei trasmettere le cose per gli altri senza versare l'acqua dalla bottiglia. Io credo che le persone possono essere mobilitati da questa condensazione, che è una sorta di reazione diretta, senza la necessità di negoziare specificità". Il doppio saggio di video e metà-Eventi con i vicini Nameless (2009) è una sorta di pietra miliare della mostra. In esso, Yang integra immagini girate in due trascurato posti-il quartiere in declino di Ahyun-dong, Seoul, dove viveva, e la motivazione della Biennale stagionalmente abbandonata vicino al Padiglione coreano durante la off-season. Giustapponendo una voce fuori campo nonsynchronous con una composizione visiva persistente che caratterizza il residuo dei residenti e delle loro attività in questi siti, l'artista specula sull'esperienza invisibile di abitanti scomparsi al fine di considerare la unwantedness e la risonanza di spazi marginali. Mentre i suoi telespettatori rimangono senza nome e senza volto l'un l'altro e per l'artista, "comunicazione condensational," di Yang che si svolge incessantemente, a volte imprevedibili e in luoghi imprevedibili, offre la possibilità di un riconoscimento condiviso. Attivando soggettività e resistendo definizioni formali di efficienza, Yang nutre una comprensione spettrale ma reale che ispirerà cieca, accettazione approfondita di altri. Nella scultura Sallim (2009), Yang riproduce un modello in scala della sua cucina Berlino. Sallim (tradotto approssimativamente come "l'esecuzione di una famiglia") considera lo spazio non commerciale della cucina come luogo di preparazione per l'azione e l'organizzazione della vita. Debito con opere come Semiotica di Martha Rosler della cucina (1975) e altre pratiche femministe degli anni 1960 e 1970, che insistevano sul lavoro sottovalutato e le potenzialità di "lavoro delle donne", Sallim dissotterra un valore potenzialmente radicale nella sfera domestica della cucina come spazio di "disoccupazione." cucina di 2 Yang è, come dice lei, "libero da molte delle cose che sono attributi del concetto ordinario di lavoro, in termini di efficacia sociale / produttività", alimentando in tal modo una connessione diversa per l'esterno mondo, per gli altri, e al suo lavoro. Composto da un sistema labirintico inondato di luce naturale, la serie del 2009 evoca ombre di luoghi e di esperienze non presenti fisicamente. Qui Yang usa tende veneziane prodotte commercialmente in indescrivibili, colori uncategorizable e modelli che esistono a bordo del gusto. Queste decorazioni funzionali per la casa sfidano concetti rigidi di progettazione o di periodizzazione per sottolineare i nonaesthetics della sfera privata ", in cui il sé è curato e contemplato, e possono essere condivisi in un modo diverso. Come in precedenti lavori, Yang introduce elettricità come un collegamento invisibile tra oggetti, persone e idee. Sei ventilatori posizionati intorno alla galleria principale generano vento a vari intervalli, alterando sia la stabilità dei bui come barriere sospese e il movimento dei visitatori. Emettitori di Profumo infondono l'installazione con momenti di esperienza sensoriale, invitando la soggettività dei visitatori come un elemento chiave per la definizione dello spazio. Impiegando la trasparenza e l'improvvisazione come metafore per la vulnerabilità di spazio e di tempo, Yang cerca di nuove possibilità di impegno pubblico. Torna su
2011
Lee Yongbaek (n.1966, Corea), dopo la laurea del Dipartimento di Pittura presso Università Hongik in Corea nel 1990, il Dipartimento di Pittura all'Accademia di Stoccarda State of Art and Design in Germania nel 1993, e il Dipartimento di Scultura presso la Graduate School della stessa università nel 1995, ha lavorato attivamente in Corea e all'estero. A partire dai primi anni 1990, Lee ha lavorato con vari tecnologie, dal video a canale singolo, suono, cinetica, alla robotica.Lee è riconosciuta come artista rappresentante in questi campi artistici in Corea. La ragione per cui il suo lavoro è altamente valutato non è dovuta solamente ai suoi esperimenti tecnologici, ma anche la sua capacità di contenere peculiari questioni politiche e culturali del nostro tempo. Lee ha presentato nuove opere che coprono una vasta gamma di generi dalla video arte, alla scultura e alla pittura. Questo tipo di tentativo è uno dei suoi punti di forza. Lee, pur mantenendo una unità con opere esistenti, è in grado di esplorare il diverso e di non insistere sull'uso di forme troppo familiari. Angelo Soldato è una performance video in cui, attraverso il contrasto drastico tra un angelo e un soldato, senza alcuna logica o spiegazioni, esprime le condizioni sociali della nostra generazione. Valori percettivi ed emotivi in un'opera d'arte sono del tutto diversi da quelli di uno studio accademico in che un'opera d'arte è libera dalla logica procedimento. La forza di immediatezza è come una poesia. Se un film è come un romanzo, di un opera d'arte è come una poesia. Lee Yongbaek è un artista che è in grado di cogliere questo vantaggio e forza un'opera d'arte. Altro video lavoro Broken Mirror Lee mostra anche caratteristico dell'artista bene. Broken Mirror, composto da uno specchio, uno schermo piatto, e un computer, si concentra sull'esistenza.Questa semplice, ma accattivante lavoro mostra uno specchio che sembra rompere all'improvviso con il suono assordante.Di f ronte ad essa, le domande spettatore se la rottura dello specchio è reale o un'illusione, indubbiamente rivelando la forza dell'artista. Questo è il motivo per cui la vita e il lavoro di processo di un artista assomigliare pratiche di un monaco buddista. Entrambi svolgono continuo auto-riflessione e la frutto di una continua auto-riflessione è nato in una volta. Non si deve dimenticare che nel corso 20 anni di sforzi sono stati spesi per portare questo frutto.La ricerca di essenza ed esistenza continua a Lee di dipinti recenti di plastica dei pesci. Reale, pesci vivi di cattura pesci artificiali per la sopravvivenza, poi rapita da un proprio tentativo per sopravvivere, e di un essere umano che sarebbe in possesso di una canna da pesca tra i due, questa dura paradosso dell'esistenza è di nessuno dei due ang Tsu The Butterfly Drea, né Simulacri di Jean Baudrillard et Simulation. Forse è crudele dolore, come punizione eterna che deve essere effettuata su tutti vivere spalle della creatura. La serie di Pietà, pietà, verrà creato in due versioni, Pieta: l'odio di sé e Pieta: Self-morte. Questa serie scultura utilizza sia lo stampo (della scultura) e la figura modellata stesso, lo stampo è la Vergine Maria e la figura il modellato è il Cristo. In Pieta: L'odio di sé, le due figure ferocemente combattono come K-1 combattenti, e in Pieta: Self-morte, il muffa della Vergine Maria tiene i morti, modellati Jesus. Questa serie si snoda metaforicamente contraddizioni dell'esistenza umana e la barbarie buio della civiltà. Come l'improvviso acquazzone estivo, Le opere di Lee Yongbaek portano una glacialità che non può essere sfuggito.
Storia Padiglione | Premi | 55ˆ Edizione Arte | Esposizioni edizioni passate | Fonti
PADIGLIONE COREA
Storia Padiglione
Il nuovo Padiglione Corea è il più recente ed appartiene alla Repubbica della Corea del Sud. Inizialmente costruito negli anni Sessanta (Salts, 29) il nuovo edificio è stato realizzato nel 1995 su progetto di Seok Chul Kim e Franco Mancuso.
Progettato da Seok Chul Kim e Franco Mancuso nel 1995. Esso rappresenta uno dei padiglione più recenti ed è il secondo padiglione asiatico dei Giardini dopo quello del Giappone. Copre un'area di circa 240 metri quadri all'interno di uno stesso spazio. L'area non è molto spaziosa, e per questo si presta prevalentemente a mostre personali.
Premi e riconoscimenti
Tra i premi ricevuti alla Biennale ricordiamo: Jheon Soocheon’s Premio Menzione d’Onore e alla mostra del 1995, Premio Speciale a Ik-joong Kang’s Special alla 47^ mostra nel 1997. Con la Menzione speciale a Lee Bul alla 48^ mostra del 1999 gli artisti coreani hanno stabilito un record per aver conseguito tre vittorie consecutive.
55^ Edizione Arte 2013
Artista: KimsoojaCuratore: Kim Seung-duk
Note sui protagonisti di questa edizioneL'artista sudcoreana, che ha realizzato un progetto al PS1 di New York, nei suoi lavori usa spesso la parola coreana "bottari" (che significa mucchio di vestiti). Titolo del progetto per ques'edizione è "To Breathe: Bottari".
Il concetto di "bottari" si riferisce a una forma installativa che vuole trasformare lo spazio del Padiglione, non in senso fisico attraverso materiali quali legno, vetro o metallo, quanto piuttosto mediante elementi immateriali come il suono, la luce e i colori. Kimsooja Intende portare la natura all'interno per poterla guardare da una prospettiva capovolta. Con le sue installazioni Kimsooja vuole anche evocare i disastri cuasati dalla natura, sulla scia della sua esperienza vissuta durante il tornado Sandy di New York , quando restò per una settimana senza gas, acqua calda, elettricità. Kim Seung-duk è Direttore di progetti internazionali al Consortium, centro di arti contemporanee di Digione. (http://galleristny.com/2013/02/south-korea-selects-kimsooja-for-venice-biennale)
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Esposizione Edizioni Arte passate
2013 — tba (Curator: Kim Seung-duk)
2011 — Lee Yong-baek (Commissioner: Yun Chea-gab)
2009 — Haegue Yang (Commissioner: Eungie Joo)
2007 — Hyungkoo Lee (Commissioner: Soyeon Ahn)
2003 — Whang In Kie, Bahc Yiso, Chung Seoyoung (Commissioner: Kim Hong-Hee)
2001 — Michael Joo, Do-Ho Suh (Commissioner: Kyung-mee Park)
1999 — Lee Bul, Noh Sang-Kyoon (Curator: Misook Song)
1997 — Hyungwoo Lee, Ik-joong Kang (Curator: Oh Kwang Soo)
1995 — Yoon Hyong Keun, Kwak Hoon, Kim In Kyum, Jheon Soocheon (Commissioner: Il Lee)
Alcuni protagonisti delle edizione passate
2007
Hyungkoo Lee, addestrato come scultore a Hong-ik University (Seoul, BFA) e l'Università di Yale (New Haven, MFA), è stato profondamente assorto in materia di corpo umano, fino al punto di tentare di fare una composizione corpo fuori ossa di pollo nei suoi primi giorni. Al di là di rappresentazione in invenzione, egli esplora i conflitti in corso tra i domini tra loro incompatibili - come realtà e ipotesi, la sostanza e l'immagine, la storia e la finzione, la scienza e l'immaginazione - nella cosiddetta era post-moderna. Mentre il suo approccio è analitico e logico, egli sostiene anche se stesso come un artigiano-scultore basata sulla fede nel valore del lavoro manuale.Presentando un tale opere geniali come The Objectuals e serie Animatus dal 2002, Hyungkoo Lee ha attirato l'attenzione di tutto dalla scena artistica locale e internazionale. Le Objectuals, le sue prime opere che trasformano drasticamente sia una parte o tutto il corpo attraverso dispositivi ottici, letterari oggettiva il mondo non-oggettivo - compresi gli esseri umani. Anche se il laboratorio impersonale freddo e le sue invenzioni quasi sperimentali cercando come strumenti di tortura suggeriscono oggettualità cinica e crudele, questa serie di perseguire spirito umano e umorismo attraverso indagini frenologica sul corpo umano. Hyungkoo Lee propone una soluzione provvisoria ai problemi post-umani, che comprendono la salute e la bellezza, la forza e la violenza, la sessualità e la razza, la tecnologia e la simulazione, con la propria interpretazione tagliente e originale.Il corpo umano esagerata in Le Objectuals avanza personaggi dei cartoni animati, i corpi deformi e personificato che esprimono ogni personalità e la sua superpotenza e l'immortalità. Hyungkoo Lee ricostruisce personaggi dei cartoni animati immaginari in scheletri tridimensionali in un approccio pseudo-archeologico, per rendere finzione nella storia. La serie Animatus portato, attribuito alla tradizione della Pop Art, può essere visto come l'epitome di simulazione nel fornire plausibili riferimento fisico e nomi zoologici di personaggi di fantasia. Il lavoro di Hyungkoo Lee è considerato come il risultato di spettacoli dal proprio corpo è il punto di partenza del suo lavoro. In questo senso, la messa in scena di laboratorio è una sorta di studio mobile per il suo lavoro. Come il suo laboratorio e la performance nella mostra rivela le basi del suo lavoro e al tempo stesso illusioni ombreggiatura sul confine tra arte e pseudo-scienza, egli evoca l'autenticità ironica in una modalità quasi-pseudo.
2009Nella mostra "Condensa", Haegue Yang esplora spazi privati o nascosti che potrebbero essere considerate nebensãchlich (marginale o insignificante), ma per l'artista costituiscono profondi fondali per capire: i siti vulnerabili in cui può verificarsi sviluppo informale. Usando la metafora della condensa, Yang cerca la comunicazione diretta con le persone sconosciute attraverso un percorso apparentemente intangibile di scambio, uno che impartisce nonfunctional informazioni ancora ontologicamente significativo. Come spiega l'artista: "Immagino metaforicamente che io conservo aria fresca in me, come a lungo possibile, fino a quando la differenza di temperatura è così grande che le gocce di raccogliere sulla bottiglia. Vorrei trasmettere le cose per gli altri senza versare l'acqua dalla bottiglia. Io credo che le persone possono essere mobilitati da questa condensazione, che è una sorta di reazione diretta, senza la necessità di negoziare specificità".
Il doppio saggio di video e metà-Eventi con i vicini Nameless (2009) è una sorta di pietra miliare della mostra. In esso, Yang integra immagini girate in due trascurato posti-il quartiere in declino di Ahyun-dong, Seoul, dove viveva, e la motivazione della Biennale stagionalmente abbandonata vicino al Padiglione coreano durante la off-season. Giustapponendo una voce fuori campo nonsynchronous con una composizione visiva persistente che caratterizza il residuo dei residenti e delle loro attività in questi siti, l'artista specula sull'esperienza invisibile di abitanti scomparsi al fine di considerare la unwantedness e la risonanza di spazi marginali. Mentre i suoi telespettatori rimangono senza nome e senza volto l'un l'altro e per l'artista, "comunicazione condensational," di Yang che si svolge incessantemente, a volte imprevedibili e in luoghi imprevedibili, offre la possibilità di un riconoscimento condiviso. Attivando soggettività e resistendo definizioni formali di efficienza, Yang nutre una comprensione spettrale ma reale che ispirerà cieca, accettazione approfondita di altri. Nella scultura Sallim (2009), Yang riproduce un modello in scala della sua cucina Berlino. Sallim (tradotto approssimativamente come "l'esecuzione di una famiglia") considera lo spazio non commerciale della cucina come luogo di preparazione per l'azione e l'organizzazione della vita. Debito con opere come Semiotica di Martha Rosler della cucina (1975) e altre pratiche femministe degli anni 1960 e 1970, che insistevano sul lavoro sottovalutato e le potenzialità di "lavoro delle donne", Sallim dissotterra un valore potenzialmente radicale nella sfera domestica della cucina come spazio di "disoccupazione." cucina di 2 Yang è, come dice lei, "libero da molte delle cose che sono attributi del concetto ordinario di lavoro, in termini di efficacia sociale / produttività", alimentando in tal modo una connessione diversa per l'esterno mondo, per gli altri, e al suo lavoro.
Composto da un sistema labirintico inondato di luce naturale, la serie del 2009 evoca ombre di luoghi e di esperienze non presenti fisicamente. Qui Yang usa tende veneziane prodotte commercialmente in indescrivibili, colori uncategorizable e modelli che esistono a bordo del gusto. Queste decorazioni funzionali per la casa sfidano concetti rigidi di progettazione o di periodizzazione per sottolineare i nonaesthetics della sfera privata ", in cui il sé è curato e contemplato, e possono essere condivisi in un modo diverso. Come in precedenti lavori, Yang introduce elettricità come un collegamento invisibile tra oggetti, persone e idee. Sei ventilatori posizionati intorno alla galleria principale generano vento a vari intervalli, alterando sia la stabilità dei bui come barriere sospese e il movimento dei visitatori. Emettitori di Profumo infondono l'installazione con momenti di esperienza sensoriale, invitando la soggettività dei visitatori come un elemento chiave per la definizione dello spazio. Impiegando la trasparenza e l'improvvisazione come metafore per la vulnerabilità di spazio e di tempo, Yang cerca di nuove possibilità di impegno pubblico.
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2011
Lee Yongbaek (n.1966, Corea), dopo la laurea del Dipartimento di Pittura presso Università Hongik in Corea nel 1990, il Dipartimento di Pittura all'Accademia di Stoccarda State of Art and Design in Germania nel 1993, e il Dipartimento di Scultura presso la Graduate School della stessa università nel 1995, ha lavorato attivamente in Corea e all'estero. A partire dai primi anni 1990, Lee ha lavorato con vari tecnologie, dal video a canale singolo, suono, cinetica, alla robotica.Lee è riconosciuta come artista rappresentante in questi campi artistici in Corea. La ragione per cui il suo lavoro è altamente valutato non è dovuta solamente ai suoi esperimenti tecnologici, ma anche la sua capacità di contenere peculiari questioni politiche e culturali del nostro tempo. Lee ha presentato nuove opere che coprono una vasta gamma di generi dalla video arte, alla scultura e alla pittura. Questo tipo di tentativo è uno dei suoi punti di forza. Lee, pur mantenendo una unità con opere esistenti, è in grado di esplorare il diverso e di non insistere sull'uso di forme troppo familiari.
Angelo Soldato è una performance video in cui, attraverso il contrasto drastico tra un angelo e un soldato, senza alcuna logica o spiegazioni, esprime le condizioni sociali della nostra generazione. Valori percettivi ed emotivi in un'opera d'arte sono del tutto diversi da quelli di uno studio accademico in che un'opera d'arte è libera dalla logica procedimento. La forza di immediatezza è come una poesia. Se un film è come un romanzo, di un opera d'arte è come una poesia. Lee Yongbaek è un artista che è in grado di cogliere questo vantaggio e forza un'opera d'arte.
Altro video lavoro Broken Mirror Lee mostra anche caratteristico dell'artista bene. Broken Mirror, composto da uno specchio, uno schermo piatto, e un computer, si concentra sull'esistenza.Questa semplice, ma accattivante lavoro mostra uno specchio che sembra rompere all'improvviso con il suono assordante.Di f ronte ad essa, le domande spettatore se la rottura dello specchio è reale o un'illusione, indubbiamente rivelando la forza dell'artista. Questo è il motivo per cui la vita e il lavoro di processo di un artista assomigliare pratiche di un monaco buddista. Entrambi svolgono continuo auto-riflessione e la frutto di una continua auto-riflessione è nato in una volta. Non si deve dimenticare che nel corso 20 anni di sforzi sono stati spesi per portare questo frutto.La ricerca di essenza ed esistenza continua a Lee di dipinti recenti di plastica dei pesci. Reale, pesci vivi di cattura pesci artificiali per la sopravvivenza, poi rapita da un proprio tentativo per sopravvivere, e di un essere umano che sarebbe in possesso di una canna da pesca tra i due, questa dura paradosso dell'esistenza è di nessuno dei due ang Tsu The Butterfly Drea, né Simulacri di Jean Baudrillard et Simulation. Forse è crudele dolore, come punizione eterna che deve essere effettuata su tutti vivere spalle della creatura.
La serie di Pietà, pietà, verrà creato in due versioni, Pieta: l'odio di sé e Pieta: Self-morte. Questa serie scultura utilizza sia lo stampo (della scultura) e la figura modellata stesso, lo stampo è la Vergine Maria e la figura il modellato è il Cristo. In Pieta: L'odio di sé, le due figure ferocemente combattono come K-1 combattenti, e in Pieta: Self-morte, il muffa della Vergine Maria tiene i morti, modellati Jesus. Questa serie si snoda metaforicamente contraddizioni dell'esistenza umana e la barbarie buio della civiltà. Come l'improvviso acquazzone estivo, Le opere di Lee Yongbaek portano una glacialità che non può essere sfuggito.
Riferimenti bibliografici /sitografici /link
http://www.artinasia.kr/content/view/73/31/
Jerry Salts, Vedere ad alta voce. Dieci anni di mostre a New York dalla pagine del Village Voice, Postmediabook, Milano 2010.
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